Grandes idées
Grandes idées
La création d’une chorégraphie met en jeu les éléments de la danse et l’art de la composition.
Le chorégraphe fait des choix artistiques réfléchis afin de créer et de transmettre le sens.
Le chorégraphe se sert du corps des danseurs pour concrétiser des idées de mouvement
demande une certaine connaissance technique de la danse, soit la capacité de lire, d’écrire, de noter ou de communiquer en se servant du vocabulaire et des symboles propres à la danse
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La danse permet d’appréhender des œuvres artistiques à partir de perspectives multiples.
Les chorégraphes collaborent au moyen de la réflexion critique, de la coopération créative et de l’échange des idées.
Contenu
Learning Standards
Contenu
Éléments de la danse
corps, espace, temps, dynamique, relations
- corps : principal moyen d’expression en danse; ce que fait le corps (p. ex. mouvement d’une partie du corps ou de tout le corps; types de mouvement, comme les actions locomotrices et non locomotrices)
- espace : celui dans lequel se déplace le corps (p. ex. lieu, niveau, direction, trajectoire, dimensions et portée, forme)
- temps : manière dont se déplace le corps en fonction du temps (p. ex. temps de la musique ou pulsation, tempo, motifs rythmiques)
- dynamique : manière dont l’énergie est dépensée et canalisée dans le corps en fonction du temps (rapide ou soutenu), du poids (fort ou léger), de l’espace (direct ou indirect) et du flot (libre ou retenu)
- relations : avec qui ou quoi se déplace le corps; le mouvement peut impliquer diverses relations (entre deux personnes, au sein d’un groupe, avec des objets, avec des environnements)
Compétences propres à une technique, ou à un genre ou style
- exemples en danse moderne : suspension, chute, respiration, poids, étirement en opposition, élan, contraction, spirale
- exemples en hip-hop : « grooving », isolations, rythme, jeu de pieds, roulements du corps, style libre (« freestyle »)
- exemples en ballet : positions des pieds et des bras, en-dehors, travail à la barre et au centre (pliés, tendus, fondus, ronds de jambe)
par exemple, classique, contemporain ou issu d’une culture en particulier
Conscience kinesthésique et spatiale
Formes et structures chorégraphiques
forme ou structure d’une chorégraphie; arrangement ordonné du contenu thématique (p. ex. forme AB, ABA, rondo, canon, thème et variations, appel et réponse, forme narrative)
Procédés chorégraphiques
méthodes employées pour transformer ou développer le mouvement (p. ex. exploitation des niveaux, de la dynamique, du mouvement rétrograde, de la répétition, des mouvements de parties du corps)
Principes de l’esthétique
unité, variété, répétition, contraste, séquence, point culminant, proportion, harmonie, équilibre, transition
Notation de la danse
représentation symbolique codifiée de formes et de mouvements de la danse
Rôle des danseurs, des chorégraphes et du public
Interprètes, mouvements et genres locaux, nationaux et interculturels
Influence de l’époque et du lieu
tout environnement, localité ou contexte dans lequel les gens interagissent pour apprendre, se créer une mémoire collective, réfléchir sur l’histoire, vivre la culture et établir une identité; les liens existants entre les gens et les lieux constituent la base des perspectives autochtones sur le monde
sur l’émergence de formes historiques et contemporaines en danse
Danseurs et chorégraphes novateurs issus de diverses cultures et œuvrant dans divers genres
Visions du monde traditionnelles et contemporaines des peuples autochtones et perspectives interculturelles véhiculées par le mouvement et la danse
Histoire de divers genres en danse
Considérations éthiques concernant l’appropriation culturelle
utilisation de motifs, de thèmes, de voix, d’images, de connaissances, de récits, de chansons, d’œuvres dramatiques ou d’autres manifestations de nature culturelle sans autorisation, dans un contexte inapproprié ou dénaturant l’expérience vécue par les personnes appartenant à la culture d’origine
et le plagiat
Protocoles de sécurité
précautions servant à prévenir les blessures chez soi et chez les autres, notamment en ce qui concerne l’environnement, l’ergonomie, les vêtements et les chaussures
Compétences disciplinaires
Learning Standards
Compétences disciplinaires
Explorer et créer
Explorer des compositions chorégraphiques diverses
Se servir de techniques de composition pour créer, répéter, peaufiner et présenter une œuvre chorégraphique devant public
Démontrer une conscience kinesthésique
capacité du corps de coordonner le mouvement et d’avoir conscience de sa position dans l’espace et dans le temps
des techniques et des éléments de la danse dans divers genres et styles
Développer son savoir-faire en art de la composition
savoir-faire qui oriente un chorégraphe dans la création d’une danse (p. ex. choisir les mouvements et les motifs, enchaîner des éléments, présenter un thème, intégrer des éléments de la danse et des principes de l’esthétique)
afin de créer une ambiance ou d’exprimer un sens ou une intention
Explorer l’interaction entre les mouvements, les sons, les images et les formes en réaction à divers stimuli
facteur déclencheur de la création du mouvement; les stimuli, dans le contexte de la composition chorégraphique, peuvent être auditifs, visuels, conceptuels ou thématiques, tactiles ou kinesthésiques
Générer des idées au moyen de l’improvisation et de l’exploration de mouvements
Créer des enchaînements de mouvements originaux par l’expérimentation en puisant dans le vocabulaire et les éléments, principes, techniques et symboles de la danse
Créer et exécuter des motifs de mouvements, des enchaînements et des compositions chorégraphiques en grand groupe, en petit groupe ou en solo
Se servir de formes et structures chorégraphiques ainsi que d’éléments de production
par exemple la musique, les costumes, les accessoires, l’éclairage et la scénographie
pour exprimer l’intention dans les compositions chorégraphiques
Prendre en considération le public et le lieu de spectacle pendant les étapes de composition, de répétition et de représentation
Raisonner et réfléchir
Décrire et analyser des œuvres chorégraphiques en se servant du vocabulaire propre à cette discipline
Réfléchir sur ses expériences de répétitions et de spectacles
Formuler, accepter et mettre en pratique des commentaires constructifs
Communiquer et documenter
Décrire et documenter les processus de répétition, les expériences en danse, les chorégraphies et les spectacles en se servant de vocabulaire technique
Communiquer et interpréter des idées et des émotions par la danse
Se servir de la danse pour aborder des enjeux locaux, régionaux et nationaux et pour y réagir
Exprimer ses expériences personnelles, son identité culturelle et ses perspectives par la danse
Prévoir l’effet sur le public et sur les autres de décisions en matière d’esthétique
peuvent porter sur les mouvements, la musique, le thème ou les costumes
Faire des liens et développer
Se servir des éléments, des principes, des techniques et du langage de la danse et en affiner l’application
Explorer les perspectives et les connaissances des peuples autochtones, les autres méthodes d’acquisition du savoir
méthodes propres aux Premières Nations, aux Métis et aux Inuits, qui varient selon le sexe, sont spécifiques au sujet ou à la discipline et sont culturelles, intégrées et intuitives
et les connaissances sur la culture locale pour améliorer la compréhension à l’aide du mouvement et de la danse
Créer des œuvres chorégraphiques novatrices et manifester ainsi sa compréhension de divers contextes
contexte personnel, social, culturel, environnemental ou historique
Prendre en considération la sécurité personnelle, la prévention des blessures et la santé physique durant les étapes de planification, de répétition et de représentation d’une chorégraphie